NOVA IORQUE (AP) – Ao longo dos quatro anos que passou trabalhando em “Mufasa: O Rei Leão”, Barry Jenkins estima que lhe perguntaram por que ele queria fazê-lo pelo menos 400 vezes.
A questão de por que Jenkins, o cineasta de “Moonlight” e “If Beale Street Could Talk” e “The Underground Railroad”, iria querer saltar para o mundo animado de leões e tigres da Disney, de grande orçamento e fotorrealista, tem atormentado muitos. mundo do cinema que o reverencia.
Inúmeros outros diretores já haviam dado saltos na produção de blockbusters com uso pesado de CGI antes. Mas a decisão de Jenkins foi analisada de forma única – talvez porque não haja hoje cineasta mais aclamado ou confiável com menos de 50 anos do que Jenkins.
“Achei que era algo que eu não poderia negar”, diz Jenkins. “Eu tive que fazer isso.”
“Mufasa”, que estreia nos cinemas na sexta-feira, reúne mundos cinematográficos que normalmente ficam muito distantes uns dos outros. Por um lado, você tem o diretor de 45 anos, vencedor do Oscar, de alguns dos filmes mais luminosos e líricos da última década. Por outro lado, temos os imperativos de propriedade intelectual da Hollywood de hoje. O que acontece quando eles colidem?
O resultado em “Mufasa”, sobre a criação órfã do filhote de leão, ambientado antes e depois dos eventos do remake de “O Rei Leão” de Jon Favreau de 2019, é um espetáculo incomumente texturizado e cuidadosamente renderizado que, afirmou Jenkins em uma entrevista recente, tem mais em comum com “Moonlight” do que você imagina. Feito com ferramentas de produção cinematográfica virtual, “Mufasa” essencialmente colocou um dos cineastas mais inovadores da atualidade em um playground totalmente digital, com um orçamento mais de cem vezes maior que o de “Moonlight”.
Freqüentemente, em “Mufasa”, você pode sentir a sensibilidade de Jenkins aquecendo e aprimorando o que pode, em outros filmes comandados com menos sensibilidade, parecer sem alma. Com músicas de Lin-Manuel Miranda, “Mufasa” funciona como um grande filme de entretenimento e, mais surpreendentemente, como um filme de Barry Jenkins.
“Minha cabeça estava girando quando isso começou”, diz Jenkins. “Na verdade, isso me lembrou de quando comecei a trabalhar no cinema. Estranhamente, isso parecia muito semelhante àquela primeira experiência. Você pode fugir dessa novidade e ficar intimidado por ela, ou pode abraçá-la, aprender coisas que não sabe e então começar a dobrá-la.”
É também uma experiência que evidentemente mudou Jenkins, expandindo exponencialmente seu kit de ferramentas cinematográficas e abrindo seus olhos para novas formas de fazer filmes. “Foi quase como aprender um novo idioma”, diz Jenkins sobre o processo. Estes são trechos editados da conversa.
AP: Quantas vezes já lhe perguntaram por que você fez esse filme?
Jenkins: Pelo menos 400 vezes. Mas tudo se resumia ao espírito e ao calor do roteiro de Jeff Nathanson e também ao espírito e ao calor que sempre encontrei na história. Cheguei a “O Rei Leão” cuidando dos meus sobrinhos, na década de 1990. Minha irmã era mãe solteira e eu ficava em casa assistindo com as crianças. Você colocava VHSs diferentes e “O Rei Leão” sempre era o que pegava. Eu apenas pensei: não seria interessante sair de algo como “The Underground Railroad” para entrar nessa coisa que é tão cheia de luz?
AP: Você estava buscando ativamente algo mais leve depois desses projetos?
JENKINS: Talvez mais quente, mais leve, mas ainda assim tão profundo, tão espiritual. Essa ideia de legado familiar, de encontrar o seu lugar no mundo, são coisas que estão muito presentes em “Moonlight” e “The Underground Railroad”. Se eu estivesse lhe dizendo: “Vou fazer este filme sobre um garoto que tem uma experiência quase bíblica envolvendo água e uma figura parental da qual ele é deslocado e precisa encontrar seu lugar no mundo, eu poderia estar falando sobre “Moonlight” ou poderia estar falando sobre “Mufasa”.
AP: Você se sentiu motivado em se expandir como cineasta? Ou as noções que as pessoas têm de você como cineasta?
JENKINS: Não se tratava das noções de quem as pessoas pensavam que eu era. Mas eu estava procurando expandir exatamente o tipo de cinema que estava fazendo naquele momento. Isso aconteceu bem no meio de um ciclo de quase sete anos, desde o início de “Moonlight” até a pós-produção de “The Underground Railroad”, a forma como este filme é feito, com esta produção virtual, é apenas uma maneira muito nova de fazendo filmes. Talvez tenham sido feitos cinco ou seis filmes com esta tecnologia.
AP: Você descobriu que poderia levar sua sensibilidade para o cinema virtual?
JENKINS: Eu fiz. Evoluímos esse processo até o ponto em que pudemos criar muito de todo o mundo e do movimento no espaço virtual, e pudemos então levar nossas câmeras virtuais para a produção virtual. Evoluímos a animação até o ponto em que poderíamos criar a luz, poderíamos criar o cenário, poderíamos criar o ambiente. (Diretor de Fotografia) James (Laxton) estaria lá e eu estaria lá, e estamos transmitindo as vozes dos atores para a sala e os animadores estão se movendo e eu estou dirigindo o bloqueio, e a câmera está respondendo ao bloqueio em tempo real.
AP: Parecia que você estava dando ênfase especial aos close-ups. No espaço virtual, você estava brincando onde colocar a câmera?
JENKINS: Absolutamente. Olha, sou um cineasta que esteve no set de “Moonlight”, tenho 25 dias e o sol está se pondo. Sim, você está tentando encontrar um lugar para a câmera, você tem ideias, mas essas ideias não são praticamente alcançáveis. Nesse sentido, a câmera poderia estar em qualquer lugar. Poderia estar em qualquer lugar. São mais ou menos as mesmas perguntas, mas a possibilidade de resposta é tão imediata e direta.
AP: Você disse recentemente ao Vulture que o processo digital “não era sua praia”. Você está ansioso para retornar ao cinema físico?
JENKINS: Quero desvendar o que você acabou de dizer. Temos conversado e eu tenho falado sobre o uso dessas ferramentas para criar uma experiência muito física e pessoal. Não considero este um projeto totalmente digital e animado por computador. Se eu fizesse esse filme novamente agora, não demoraria quatro anos. Provavelmente levaria dois e um quarto. Se eu fosse fazer outro desses filmes, teria uma base muito mais forte. Não pareceria algo estranho ou algo diferente ou totalmente digital. Seria apenas como fazer um filme.
AP: Então você vê “Mufasa” mais como parte de um continuum para você pessoalmente?
JENKINS: Mil por cento. Adorei, através desse processo, aprendi tantas outras maneiras de fazer um filme que simplesmente não consegui aprender fazendo algo como “The Underground Railroad”. O que adoro agora é a sobreposição entre os dois. Quando comecei esse processo, conversei com Matt Reeves porque ouvi dizer que ele havia usado algumas dessas ferramentas para pré-visualizar “The Batman”. Ele disse: “Você conhece aquela cena em que o Pinguim está em seu carro e o Batman está andando de cabeça para baixo? Eu descobri isso no volume.” Eu disse: “Claro que sim”. Eu pensei, meu Deus, poderíamos ter previsto “Moonlight” com essa tecnologia.
AP: Você acha que é necessário que um cineasta hoje tenha conhecimento dessas técnicas?
JENKINS: Mil por cento. A luz pode estar em qualquer lugar neste filme e a câmera pode estar em qualquer lugar. Isso não significa que deva estar em todo lugar. Na próxima vez que eu sair para fazer um filme, seja algo como “The Underground Railroad” ou “Beale Street”, James e eu provavelmente iremos incorporar essas ferramentas também. Porque descobrir a luz é metade da batalha, como dizem em “GI Joe”.
AP: Então você se sente mudado como cineasta por essa experiência?
JENKINS: Tudo isso é novo. Tudo está sendo desenvolvido agora. Descemos até “Avatar” e conversamos com os engenheiros de lá. Eles ouviram o que estávamos tentando fazer e enviaram algumas pessoas para incorporar conosco e nos ajudaram a evoluir nosso processo, para que pudéssemos fazer com que esses animadores com duas pernas se movessem como se tivessem quatro pernas. O que estou dizendo é: este é o oeste selvagem.
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